La experimentación —el modo experimental de adquirir conocimientos—, aunque ha sido desarrollada por las ciencias, asumida y adoptada por el método científico, es el que desarrollan los niños para comprender su relación con el mundo. También ha sido la forma creativa que han asumido de manera radical muchos artistas, la manera de aproximarse al mundo y a su praxis artística. En cambio, cuando comenzamos a pensar sobre estas nociones, cabe preguntarse: ¿qué entendemos por experiementación?, ¿cómo podríamos definir lo experimental —si es que tal cosa tiene sentido, si es que acaso esto es posible, incluso deseable—? Quizás ese espíritu experimental lo podamos encontrar en el poema Un coup de dés jamais n’abolira le hasard del poeta simbolista francés Stéphane Mallarmé, en ese sencillo gesto, esa imagen tan clara y directa: tirar unos dados y aceptar lo que va a salir. También nos da un pista sobre la noción de lo experimental la música de John Cage, quien entendía que “un hecho experimental es aquel que produce resultados no previsibles”. O, igualmente, en aquello que nos decía Javier Maderuelo (experto sobre la poesía y música experimental en nuestro país), quien explicaba que, en la esfera artística, podemos entender por experimentación el ejercicio de «hacer algo de lo que no sabes cuál va a ser el resultado, frente al artista que va buscando un resultado. […] El entender que el arte no es el final sino que es el proceso». En un sentido amplio, Javier Maderuelo explica en el catálogo de la exposición Escritura experimental en España, 1963-1983: “la idea de experimentación […] supone la búsqueda y la prueba de nuevas formas, maneras y procedimientos que no han sido probados con anterioridad”. De esta forma, lo “experimental” no constituiría en ningún caso un estilo, no tendrían las obras experimentales una (única) característica formal, sino que se trataría, más bien, de “una manera de entender y generar arte”.

Sin embargo, si ahora pensamos en las imágenes, en las formas y maneras de entender y generar imágenes —de manera experimental—, si ponemos el foco concretamente en el medio fotográfico, ¿qué expresiones artísticas nos vienen a nuestra mente?, ¿qué fotógrafos incluiríamos en esta manera singular de concebir la creación?, y más aún, ¿cómo definimos la experimentación con respecto a la fotografía? Es decir, en este campo concreto, ¿qué prácticas, miradas y avances han ido conformando esta estela experimental en el medio fotográfico, este hálito experimental al que ahora nos referimos? Visiones expandidas. Fotografía y experimentación, la exposición que hoy se inaugura en el CaixaForum de Madrid, parte de estas mismas preguntas con el objetivo de trazar una suerte de mapeo, articulado de manera temática y no meramente cronológica, de los hitos fotográficos de la experimentación. Se trata de una exposición inédica que propone un recorrido por la fotografía experimental en colaboración con el Musée National d’Art Moderne-Centre Natinoal d’Art et de Culture Georges Pompidou de París. La muestra, con 172 obras de 107 artistas, se sumerge en esta rama de la fotografía que han practicado numerosos artistas y profesionales de múltiples disciplinas y lugares, como Man Ray, Lisa Oppenheim, Florence Henri, William Klein, Brrassaï, André Bretón, Rudolf Steiner, Barbara Kruger, Constantin Brancusi, Olafur Eliasson, Barbara Morga o Suzanne Muzard, entre otros muchos.

Valentin-Maria, x … akt metavision, 1985. © Centre Pompidou.

Rehuyendo una lectura hegemónica y lineal, Visiones expandidas. Fotografía y experimentación articula un relato fragmentado, esto es, un recorrido de experimentación fotográfica desde comienzos del siglo XX hasta nuestros días, poniendo en diálogo obras históricas y contemporáneas con el fin de resaltar afinidades y analogías entre artistas de distintas épocas y movimientos. Estos seis ámbitos temáticos propuestos por la comisaria de la muestra Julie Jones (París, 1983), comisaria en el departamento de fotografía del Musée National d’Art Moderne-Centre Pompidou de París, son los siguientes: «Luz», «Movimiento», «Alteraciones», «Recrear mundos», «La visión a prueba» y «Anatomías». Con esta apuesta por quebrar la linealidad temporal y entrelazar los imaginarios experimentales de diferentes artistas provenientes de épocas diversas, yendo y viniendo en el tiempo —saltando a lo largo del siglo XX hasta llegar a nuestros días—, se moviliza también, en cierta medida, un espíritu comisarial experimental. Con lo que «lo experimental» no quedaría exclusivamente reflejado en la exposición en el contendido de la misma, en la temática o eje vertebral de la muestra, sino también en la dimensión más formal, en las decisiones de estructuración y entrecruzamiento de voces y miradas. De la misma forma, con tal de poner en movimiento esta idea de experimentación —y de no caer en una mera teorización expositiva—, la muestra cuenta con un proyecto de mediación integrado en tres puntos del recorrido. En la presentación de la exposición esta mañana (día 1 de diciembre de 2022), la comisaria Julie Jones se refería a esta cuestión como una apuesta comprometida para con la experimentación, como una manera de aprehender aquello que estamos contemplando, no solo a través de la mera osbervación, sino también de la ejercitación y de la creación, es decir, de la práctica. Este radical compromiso y coherencia teórico-práctico se articula, de tal forma, de modo que, en calidad de espectadores, podemos probar distintas técnicas fotográficas, llevar a cabo distorsiones en la imagen, quimigramas, sobreimpresiones, etc.

Pol Bury, Chicago, 1974. Centre Pompidou. © Pol Bury, VEGAP, Barcelona, 2022.

Como si de aquellos dados de Mallarmé —lanzados al aire de manera aleatoria — se tratara, en seguida nos reciben en la exposición las famosas fotografías de Man Ray (artista muy presente a lo largo de toda la muestra), quien fotografía una serie de encuentros (supuestamente) fortuitos de distintos objetos cotidianos. Estos parecieran haber caído sobre la mesa como los dados a los que se refería Stéphane Mallarmé en su famoso poema, únicamente regidos por el azar; si bien hemos sabido con el tiempo que el fotógrafo francés no dejaba nada al azar y su trabajo se trataba verdaderamente de una experimentación controlada, medida, calculadora y precisa. En cuanto a las propuestas fotográficas incluídas en la exposición, podemos destacar la tremenda relevancia de esta noción del azar en muchas de las obras, lo que nos invita a pensar en muchos casos en un rechazo de la idea del genio creador que lo tiene todo bajo control y que proyecta a priori su creación, antes de llevar a cabo la obra, quien ya conocería su propio resultado. Todo lo contrario. Como se exponía previamente, asumir la experimentación de manera genuina en la creación, supone abrazar (en buena medida) la incertidumbre: no saber (del todo) qué es lo que va a pasar. Además, en la exposición, se otorga una gran relevancia a la materialidad y a los procesos químicos inherentes a las distintas técnicas fotográficas, así como a las diferentes agencias creadoras de carácter no-humano. Aunque esta noción no aparece explícitamente señalada, sí que la encontramos implícitamente presente en muchas de las obras y de los creadores, quienes otorgan un mayor protagonismo a los medios y recursos naturales, circunstanciales u objetuales que a la propia regulación humana-creadora.

Wolfgang Tillmans, Urgency XVIII, 2006. © Centre Pompidou.

En algunos casos, esto se puede comprobar de manera muy evidente, como sucede en la fotografía de Wolfgang Tillmans integrada en la muestra o, muy claramente, en el caso de Steven Pippin, con sus imágenes tomadas usando una lavadora como cámara fotográfica estenopeica (esto le valdría el premio Turner). También resulta de gran interés la imponente instalación que nos encontramos a mitad de la exposición, From Han to Mouth, obra del artista Jeff Guess. Esta consiste en una impresión fotográfica contínua en gelatina de plata con 24 imágenes individuales. La impresión está suspendida e iluminada centralmente desde arriba. El poeta y artista produjo los negativos colocando un trozo de película de 35 mm directamente en su boca, que usó como cámara oscura. Cada imagen representa su mano tocando un objeto doméstico cotidiano (una silla, un teléfono, un libro…), impreso a escala real y con todo el negativo visible, incluidos los agujeros de las ruedas dentadas. De tal manera que la superficie fotográfica contiene huellas de una presencia corpórea en un intento del artista de explorar los límites de la fotografía.

Vista de la exposición Visiones expandidas. Fotografía y experimentación, en CaixaForum Madrid. © CaixaForum.

Finalmente, podemos destacar las diversas actividades sobre la exposición que se llevarán a cabo durante los siguientes meses. Entre ellas se encuentra el «Ciclo Re-visiones» que incluye tres sesiones configuradas con la ambición de expandir las posibilidades formales y conceptuales de la fotografía. Se realizarán los días 23 de febrero de 2023, 7 de marzo de 2023 y 17 de marzo de 2023, y estarán guiadas por Kensuke Koike, Daniel Canogar, Almudena Romero y Miguel Ángel Hernández. En definitiva, la muestra Visiones expandidas. Fotografía y experimentación se trata de una cita de gran relevancia con el arte contemporáneo y, en especial, con el medio fotográfico; una oportunidad para disfutar de la contemplación de obras nunca antes expuestas, como recalcaba la comisaria en su inauguración, así como de un proyecto expositivo tremendamente cuidado, meditado y sugerente. Una exposición que no solo pone en diálogo de manera inédita y novedosa obras de muchos fotógrafos, de distintas épocas y corrientes, sino que también atiende a sus confluencias con otros medios expresivos, y que nos hace ver cómo, desde la segunda mitad del siglo XX, la experimentación fotográfica sigue desdibujando los límites entre pintura, escultura, cine y performance.

(Visiones expandidas. Fotografía y experimentación, en CaixaForum, Madrid. Del 1 de diciembre de 2022 al 26 de marzo de 2023)