EXPOSICIONES

Hagiografías de la Transición

Hagiografías de la Transición

A veces las exposiciones se parecen, sospechosamente, a libros de texto o incluso a asignaturas del currículo académico universitario. O lo que es más grave: a relatos que reproducen la Historia que nos cuentan. Y que influyen decisivamente en el espacio político y en la construcción del futuro.

La exposición Poéticas de la democracia. Imágenes y contraimágenes de la Transición del Museo Reina Sofía reúne distintas obras realizadas en el contexto de los años setenta en la España del tardofranquismo y la incipiente etapa democrática. Realizada a partir de una investigación desde el 2008 sobre la colección del museo, la exposición pretende reivindicar hechos o materiales poco conocidos. Así, la muestra comienza con un evento que marcó este contexto artístico y político: la Bienal de Venecia de 1976 y cuyo impacto real ha sido poco estudiado. Frente a la idea de renovación de vanguardia que se quería dar en un primer momento desde el comité organizador- capitaneado por Tomas Llorens y Valeriano Bozal- acontecimientos como la muerte de Franco o el comienzo de la Transición generaron un fuerte clima de cuestionamiento, crítica y tensión respecto a la imagen que debía mostrarse de España.

Curiosa esta tensión, porque parece que le sucede lo mismo al discurso curatorial de la exposición. Frente a materiales menos frecuentes como las ilustraciones de Elsa Plaza, el fotoperiodismo de Ana Turbau o las imágenes contraculturales de fanzines, colectivos y festivales, la exposición presenta nombres y obras que resuenan (demasiado) a una historiografía del arte español posicionada y ya convertida en discurso oficial. Desde el archiconocido El Abrazo de Genovés (en esa metáfora manida del espíritu conciliador de la Transición), hasta pesos pesados como Tàpies, Saura, Eduardo Arroyo, Sempere o Schommer. Los formatos y el display expositivo no ocultan su pretensión grandilocuente: lienzos y esculturas ocupan el espacio principal, mientras que la cartelería, los cómics o los acontecimientos marginales se relegan a estancias más escondidas. Hay un discurso eminentemente masculino, posicionado en una determinada clase social. Falta, claramente, una relectura crítica y revisada de la Transición, sobre todo teniendo en cuenta los acontecimientos de los últimos años que atañen a figuras otrora idealizadas como Felipe González, o el rey emérito Juan Carlos. Aunque en la exposición hay piezas rotundas como la serie El Paredón de Equipo Crónica que en su día acogió la Galería Juana Mordó (Helga de Alvear es la propietaria de dos de ellos, aunque faltan algunos que no han querido ser prestados, por razones desconocidas), falta análisis profundo y sobra relato hagiográfico. El contexto político actual, amenazado por una oleada de miedo e involución, lo demanda, lo exige, lo necesita.

(Poéticas de la democracia.Imágenes y contraimágenes de la Transición en el Museo Reina Sofía, Madrid. Hasta el 25 de noviembre de 2019).

 

Hagiografías de la Transición

La exposición Poéticas de la democracia. Imágenes y contraimágenes de la Transición del Museo Reina Sofía reúne distintas obras realizadas en el contexto de los años setenta en la España del tardofranquismo y la incipiente etapa democrática. Realizada a partir de una investigación desde el…

VIDA = ARTE = VIDA

VIDA = ARTE = VIDA

El MUSAC acoge hasta el 26 de mayo la exposición VIDA = ARTE = VIDA dedicada a Wolf Vostell, coincidiendo con los 20 años de su fallecimiento. Esta retrospectiva revisa la trayectoria de Vostell desde los años 50 hasta 1998, con medio centenar de sus obras más conocidas (instalaciones, pinturas, esculturas y películas). El título hace referencia a su frase “el arte es igual a la vida, la vida es igual al arte”, con la que muestra sus principios basados en una confrontación estética con los eventos cotidianos. Esta muestra es la primera que se realiza sobre el artista desde hace 40 años, momento en el que se expuso Bilder 1959-1974 en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Así pues, el público podrá conocer los conceptos claves sobre los que el artista trabajó durante su carrera: exploración de los límites del arte, las relaciones entre arte y vida, así como la documentación emocional e intelectual de los cambios y conflictos políticos y sociales de la época; todo ello a través de la serialidad, happening, dé-coll/age o el uso del vídeo.

Vostell, 6 TV Dé-coll/agen, 1963

Vostell creó en 1954 el término Dé-coll/age, que designa la técnica opuesta al collage, es decir, la creación de una nueva obra arrancando partes de la original, además también está considerado como uno de los introductores en Europa del happening y cofundador del movimiento Fluxus junto a Nam June Paik y George Maciunas, en el que participó haciendo patente una crítica a la fetichización de la televisión y la cultura del consumo. Algo que también hizo en sus primeros dé-coll/ages, ya que usó televisores y piezas de automóviles como principales temas de su obra. Vostell se enfrenta a la anestesia y la indiferencia de la sociedad generando un discurso emocional e intelectual sobre temas culturales y políticos internacionales. Su trabajo critica directamente el sistema político, los desastres de la guerra, la codicia del capitalismo tardío, la opresión de las ideologías hegemónicas o el consumismo, la influencia de los medios de comunicación, la representación de la sexualidad o el tabú y el tratamiento que reciben grupos marginados en nuestra sociedad.

La muestra del MUSAC está organizada de manera cronológica para ofrecer así una visión exhaustiva de su trayectoria. Así pues, se podrán ver obras como Transmigración IIIOrero 8; o Sinfonía para 40 aspiradores. También se podrán ver algunas de sus obras más conocidas como El muerto que tiene sed; España; o El entierro de la sardina. Además, esta exposición presenta por primera vez el archivo Vostell en su totalidad, a través del que podemos acceder a propuestas como hormigonamientos o esculturas para el espacio público.

(VIDA = ARTE = VIDA en MUSAC, León. Desde el 1 de diciembre hasta el 26 de mayo de 2019)

 

 

 

 

VIDA = ARTE = VIDA

El MUSAC acoge hasta el 26 de mayo la exposición VIDA = ARTE = VIDA dedicada a Wolf Vostell, coincidiendo con los 20 años de su fallecimiento. Esta retrospectiva revisa la trayectoria de Vostell desde los años 50 hasta 1998, con medio centenar de sus obras más conocidas…

El pabellón de género de Alicia Framis

Alicia Framis (Barcelona, 1967) lleva a cabo trabajos artísticos multidisciplinares, con los que construye discursos sociales y feministas implicados sobre el mundo en que vivimos, cómo lo habitamos y sobre nuestras interrelaciones humanas. La exposición…

El pabellón de género de Alicia Framis

El pabellón de género de Alicia Framis

Alicia Framis (Barcelona, 1967) lleva a cabo trabajos artísticos multidisciplinares, con los que construye discursos sociales y feministas implicados sobre el mundo en que vivimos, cómo lo habitamos y sobre nuestras interrelaciones humanas. La exposición Pabellón de género, comisariada por Margarita de Aizpuru y que puede verse en la sala Alcalá 31 hasta el 27 de enero, reflexionar sobre la posición de la mujer en la sociedad.

El proyecto Pabellón de género está estructurado en dos bloques de trabajo. El primero tiene que ver con los espacios, las arquitecturas y las habitaciones. Como puede verse en las fotografías de la pieza One night tent (2002), donde se muestran trajes reversibles que se transforman en una habitáculo para tener relaciones sexuales; en Habitación de la arquitectura prohibida (2017), en la cual ofrece construcciones de viviendas no binarias y para plurales formas de convivencia; en la instalación Arquitectura secreta (2009), donde los hombres ofrecen planos de lugares prohibidos para las mujeres a cambio de un par de zapatos de la marca Alicia Framis; en la pieza Hijas sin hijas (1997) que, inspirada en el artista Daniel Buren, ofrece un espacio para el encuentro de mujeres; y la Habitación del grito (2013), donde el público puede transformar un grito en un vaso con formas singularizadas, mediante una impresora 3D.

El segundo bloque es claramente performativo. En el ámbito de la acción-manifestación contra la violencia de género, encontramos la performance Secret Strike Lleida (2005). También, en  la confluencia entre las performances y la moda se incluyen obras como MAMAMEN (2004), una serie de trajes de hombres especiales que transportan a bebés o los trajes de la colección de moda anti_dog, antiviolencia de género y antirracismo, usados en performances colectivas de mujeres.

En torno a la explotación infantil, Framis muestra la pieza Not for sale (2007-2008-2009). Mientras que en el ámbito del cuerpo y sus límites se presenta la acción, que se convierte en instalación Forbidden people (2017). Por último, la nueva performance The walking ceiling (2018) consiste en un alegato al techo de cristal social, laboral y político discriminatorio que aún soportan las mujeres.

(Pabellón de género de Alicia Framis en la sala Alcalá 31, Madrid. Hasta el 27 de enero de 2019)

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