EXPOSICIONES

El sonido de Allora & Calzadilla

El sonido de Allora & Calzadilla

Desde 1995, Jennifer Allora (1974, Estados Unidos) y Guillermo Calzadilla (1971, Cuba) colaboran en una práctica artística amplia y experimental. Partiendo de la investigación como metodología de trabajo, la obra de Allora & Calzadilla traza intersecciones entre la historia, la cultura material y la política en una variedad de medios que incluyen la performance, la escultura, el sonido, el vídeo y la fotografía. La Fundación Antoni Tàpies acoge hasta el 27 de mayo la que es la primera exposición de carácter monográfico en el Estado español del dúo Allora & Calzadilla.

La severa vulnerabilidad climática y la masiva extracción de deuda que sufre la isla de Puerto Rico son aspectos que dan un sentido y un trasfondo político a las obras de estos artistas. Al mismo tiempo, la música es otra de las protagonistas presente en las obras, un hecho que indica como en esta muestra lo visual se subordina a lo auditivo. Este factor se hace presente en obras como Stop, Repair, Prepare: Variations on “Ode to Joy” for a Prepared Piano (2008) o a Hope Hippo (2005), pieza que puede ser percibida gracias a las alertas de un silbato. Para Allora & Calzadilla lo acústico representa una expansión ininterrumpida que desafía la concepción perimetral del espacio museístico.

Allora & Calzadilla, Hope Hippo, 2005.

Como se ha mencionado anteriormente, existe también un trasfondo político en el trabajo de Allora & Calzadilla, marcado por un contexto de crisis múltiple que azota Puerto Rico, especialmente relacionado con la situación económica y ecológica de la isla. El paso de los huracanes Irma y María a finales de septiembre de 2017 ha dejado tras de sí una situación de emergencia que ha agravado la situación de la isla y ha obligado a la población a espera de manera resignada la ayuda del exterior; una situación que, según el sociólogo Javier Auyero, es símbolo patente de otra forma de subordinación política. Todos estos son aspectos presentes en piezas como Puerto Rican Light (Cueva Vientos), encargada e instalada por la Dia Art Foundation en Guayanilla-Peñuelas y que ahora puede “verse” en la Fundació Antoni Tàpies acompañada de un debate y una proyección que convierten la obra en un rumor, en una pieza de la que se habla sin la necesidad de hablerla visto.

(Allora & Calzadilla en la Fundació Antoni Tàpies. Del 4 de febrero al 27 de mayo)

El sonido de Allora & Calzadilla

Desde 1995, Jennifer Allora (1974, Estados Unidos) y Guillermo Calzadilla (1971, Cuba) colaboran en una práctica artística amplia y experimental. Partiendo de la investigación como metodología de trabajo, la obra de Allora & Calzadilla traza intersecciones entre la historia…

Un regard en mouvement

Un regard en mouvement

El trabajo de Raoul Hausmann ha sido, en general, poco valorado y reconocido. Artista clave de la primera mitad del siglo XX que sentó las bases las Club Dadá de Berlín junto a Richard Huelsenbeck en 1918, que realizaron la primera proclama dadaísta en Alemania a los pocos días de su creación. De hecho, Hausmann fue el encargado de descubrir el fotomontaje, la técnica más empleada por el movimiento Dadá y que tuvo gran influencia en autores posteriores. Otra de las grandes aportaciones de este artista fueron los poemas optofonéticos, en los que emplea de una manera particular los sonidos, además de crear poemas por combinaciones mecánicas o con diversas técnicas tipográficas en el marco del experimentalismo. Por desgracia, una parte de la fotografía de Hausmann fue destruida debido a las vicisitudes de la historia, por lo que una parte de esta faceta imprescindible en su obra se perdió por el camino. A partir de 1927, Raoul Hausmann comenzó con su práctica fotográfica, ávido e inquieto se convirtió rápidamente en la piedra angular de sus múltiples reflejos y actividades.

Durante la década posterior desarrolló una práctica profunda del medio, mitad documental y mitad lírica que acompañaba a una forma de vivir y pensar. Muchos de sus amigos, como August Sander, Raoul Ubac, Elfriede Stegemeyer o László Moholy-Nagy, reconocían que del gran talento de Hausmann era de donde habían bebido ellos para aprender. Hausmann falleció en Francia, donde vivió durante años, y sin embargo nunca había tenido una exposición dedicada a él. Por ello, el Jeu de Paume ha organizado la muestra Un regard en mouvement, comisariada por Cécile Bargues, que podrá verse hasta el 20 de mayo. En esta muestra se exhibe parte del trabajo fotográfico que tuvo que permanecer secreto durante muchos años debido a la amenaza nazi. Hausmann sufrió la dispersión, y algunas veces la destrucción, de su trabajo. Su fotografía rara vez se mostraba y sobrevivió inadvertida hasta finales de los años setenta. Desde entonces, el aura de fotógrafo del artista ha ido creciendo.

(Un regard en mouvement en Jeu de Paume, París. Desde el 6 de febrero hasta el 20 de mayo de 2018)

 

 

 

Un regard en mouvement

El trabajo de Raoul Hausmann ha sido, en general, poco valorado y reconocido. Artista clave de la primera mitad del siglo XX que sentó las bases las Club Dadá de Berlín junto a Richard Huelsenbeck en 1918, que realizaron la primera proclama…

Esculturas de texto y movimiento

“Cáscara”, “un intruso silencioso”, “phármakon”, “coreografía”, “agitar algo con mucha fuerza”, “arena”. Estas son sólo algunas de las palabras y frases que Julia Spínola ha ido mencionando a lo largo del recorrido por su exposición. Palabras muy precisas que surgen en el proceso de construcción…

Esculturas de texto y movimiento

Esculturas de texto y movimiento

“Cáscara”, “un intruso silencioso”, “phármakon”, “coreografía”, “agitar algo con mucha fuerza”, “arena”. Estas son sólo algunas de las palabras y frases que Julia Spínola ha ido mencionando a lo largo del recorrido por su exposición. Palabras muy precisas que surgen en el proceso de construcción de sus esculturas y que, además, remiten directamente a acciones, contienen gestos, movimiento.

Lubricán es el título de la muestra de Julia Spínola  en el CA2M que, comisariada por Beatriz Herraez, reúne obras realizadas a lo largo de su trayectoria con obras actuales y específicas para la exposición. El título es una palabra compuesta por dos nombres –lupus «lobo» y canis «perro»– que remite a un estado en el que no es posible identificar con claridad lo que vemos y que refiere, también, al momento en que se produce la transición del día a la noche. Estas referencias a lo nocturno son muy claras en la muestra, con un gran protagonismo de la luz anaranjada y del marrón-naranja presente en los materiales y que recuerdan, de una manera u otra, a la iluminación que Madrid tiene por la noche –una referencia que se halla nada más entrar al museo, con la presencia de unas farolas que emiten luz anaranjada y que forman parte de la exposición–.

Lubricán se abre con una amplia sala que contiene diversas obras entre las que se encuentran las tres más antiguas y que condensan la estructura de la exposición, dejando entrever aquellas cuestiones y preocupaciones que se mantienen presentes en las piezas más recientes. Se trata de Frase (objeto) (2013-2018), Figuras (2013, La Panera) y Uno zurdo y uno diestro, y uno zurdo y uno diestro (2014, Museo Reina Sofía). Estas tres piezas, además de remitirnos al recorrido previo de Spínola, han sido revisitadas y se les ha añadido nuevos gestos que enlazan con la línea de trabajo actual de la artista. A Un zurdo y uno diestro…, por ejemplo, se le ha añadido una pieza más bajo el nombre Zurdo romo, una pieza que, contrariamente a las anteriores que forman la misma obra, está trabajada en bloque, no se puede desmontar y está hecha mediante resina pintada de marrón DM.

Alzanoche (2018) es una estructura inmensa de aglomerado que ocupa enteramente una de las salas. Se trata de una obra realizada específicamente para la exposición y que ha tenido en cuenta la arquitectura del propio museo. Como una estructura que encajaba a la perfección en la planta de la sala pero que, mediante un gesto colectivo, se ha levantado para apoyarse sobre la pared y tomar forma, una forma que, aunque gigante, es sutil, gracias a una iluminación que reprime las sombras. Artista y comisaria inciden en la necesidad de una coreografía de cuerpos necesaria para la construcción de esta pieza. La colaboración e intervención de otras personas ha sido imprescindible para la construcción de una pieza que, como la artística indíca “ha ido ocurriendo”, una frase que recuerda muchísimo al título que Sergio Rubira escribió para un artículo a propósito de Spínola: “el arte sucede”.

Volviendo a la sala principal, gran parte de su superficie la ocupa la instalación más relevante de la muestra. Se trata de las piezas Brazos, chorros, mismo (2018), Comeu (2018) y Cor-pharmakon (plomo) (2018). Según la propia artista, para su realización se ha hecho valer de un “material que lo desborda todo, de un material que funciona como un acordeón”. Se trata del cartón prensado, material que queda compacto al quitarse el aire entre sus trozos y que, como bloque, pesa una tonelada –ejemplo de ello es Boca (2018) también presente en la sala–. Spínola interviene este material y lo desmembra, el bloque compacto se deshace y se puede manipular como si fuese arena: se deshace el color, dejando un rastro y, como indica la artista: “la imagen se desprende de la forma, igual que desaparece la mano por el rápido movimiento que requiere la intervención”. Como otros trabajos de la artista, el esfuerzo, la acción, está presente en el resultado; un esfuerzo que surge del hecho de “trabajar desde el extrañamiento”, desde un lenguaje, la escultura que, en el fondo, no es una manera de trabajar natural de la artista.

Por último Spínola ha, prácticamente, creado un espacio nuevo en el museo gracias a la pieza  Muro Lubricán (2018), una obra que funciona como muro, como pared que genera un espacio curvo y que, además, contiene algunos de los elementos claves de la exposición: agujeros que remiten a la toma de decisiones de la propia artista, que hacen referencia a gestos que sucedieron y que proporcionan un efecto de ilusión –el conocimiento de saber que algo ha estado lleno y luego se ha vaciado– y, explican, así, algunas de las líneas de trabajo e investigación que le interesan actualmente a Julia Spínola.

(Lubricán de Julia Spínola en el CA2M, Móstoles, Madrid. Del 8 de febrero al 27 de mayo)

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