EXPOSICIONES

Yendo leyendo, dando lugar

Yendo leyendo, dando lugar

La obra de Rogelio López Cuenca ha caminado, desde los años ochenta, entre la poesía, las artes visuales y los medios de comunicación de masas. Con su trabajo, López Cuenca ha practicado una poesía visual propia que se mueve dentro de la tradición de la crítica institucional y las derivas del pop a través de medios como la pintura, la instalación, la intervención urbana y la edición. Las preocupaciones del artista giran en torno a temas como el espacio de la ciudad, el lenguaje popular y el lenguaje de las vanguardias. No obstante, a partir de 1992 su obra vira y comienza a realizar intervenciones críticas con el sistema contemporáneo reflejando cuestiones como las políticas migratorias, de la memoria histórica, la especulación urbana o la espectacularización de la cultura. Ahora, todo esto puede verse en la exposición que acoge el Museo Reina Sofía hasta el 26 de agosto de 2019 bajo el título Yendo leyendo, dando lugar y que ha sido comisariada por Manuel Borja-Villel.

Esta muestra es la primera retrospectiva del artista y muestra una selección de obras de carácter  dialógico e inequívoca vocación procesual, con las que indaga en cómo se construyen los relatos hegemónicos, tanto en ámbito político-económico como socio-cultural. Además, explora las fisuras que se puedan producir en ellos. En su trabajo, López Cuenca toma imágenes y textos de medios de la alta y baja cultura y en ocasiones las coloca en dispositivos comerciales públicos para denunciar situaciones de violencia y discriminación. La muestra se cierra con la instalación Las islas, que ha sido producida específicamente y en la que se hace una relectura crítica de textos y grabados históricos relacionados con el “descubrimiento” de América.

(Yendo leyendo, dando lugar en Museo Reina Sofía, Madrid. Desde el 3 de abril hasta el 26 de agosto de 2019)

 

 

 

Yendo leyendo, dando lugar

La obra de Rogelio López Cuenca ha caminado, desde los años ochenta, entre la poesía, las artes visuales y los medios de comunicación de masas. Con su trabajo, López Cuenca ha practicado una poesía visual propia que se mueve dentro de la tradición de la crítica institucional y las derivas de…

Sunday en el Tamayo

Sunday en el Tamayo

Carsten Höller concibe al museo como una suerte de laboratorio para explorar los estados de percepción, evocando a la noción de experiencia. Su obra combina lo lúdico y lo inquietante y pone en contacto lo ilusorio con la vida cotidiana con la ayuda de estímulos ópticos y acústicos. Ahora, puede verse su trabajo en el Museo Tamayo gracias a la exposición Sunday que permanecerá abierta hasta el 30 de junio de 2019. En esta muestra, Höller incita al espectador a la interacción con el inmueble donde puede elegir cómo iniciar su recorrido sin saber necesariamente hacia dónde se dirige. Las distintas opciones de inicio son: Six Sliding Doors, un pasillo de puertas de espejo que genera interrupciones del reflejo del visitante; Decision Tubes,una pieza concebida especialmente para la arquitectura del museo y que consiste en una estructura de metal y red suspendida sobre el patio central que conecta distintas partes del edificio. Así, se permite al espectador pasear por encima del suelo y por zonas que, normalmente, son inaccesibles.

En la exposición también se recuperan obras anteriores como pinturas o piezas olfativas y la serie Upside-Down Goggles, que permite a los visitantes observar un área del museo de manera invertida. Por otro lado, Double Neon Elevator, genera patrones de luz en cascada que crea la ilusión de estar dentro de un elevador que sube y baja. Para esta exposición también se ha realizado una nueva versión de 7,8 Hz, una vitrina con hongos agáricos en yeso bañados en oro y que se muestra junto a Light Wall Gelbrün, para provocar efectos alucinatorios tanto visuales como auditivos. Por último, el artista también ha reversionado la pieza Two Roaming Beds, que da la posibilidad al visitante de pernoctar en el museo en camas que circulan por la sala durante la noche.

(Sunday en Museo Tamayo, Ciudad de México. Desde el 29 de marzo hasta el 30 de junio de 2019)

 

 

Sunday en el Tamayo

Carsten Höller concibe al museo como una suerte de laboratorio para explorar los estados de percepción, evocando a la noción de experiencia. Su obra combina lo lúdico y lo inquietante y pone en contacto lo ilusorio con la vida cotidiana…

Autorretrato de otro

Es importante que el pasado no caiga en el olvido para que no se repita la historia y los errores cometidos. Es importante reflejar la realidad actual que queda como consecuencia…

Autorretrato de otro

Autorretrato de otro

Es importante que el pasado no caiga en el olvido para que no se repita la historia y los errores cometidos. Es importante reflejar la realidad actual que queda como consecuencia de los años anteriores. Tetsuya Ishida refleja en su trabajo los efectos sobre el individuo de las grandes crisis acaecidas en Japón a partir de 1973. Pone rostro a la desolación de la sociedad japonesa alterada por el desarrollo tecnológico y por las crisis que han afectado a la economía y a la política a nivel mundial. Y más concretamente, el artista retrata el estado de ánimo de su generación, marcada por la burbuja financiera e inmobiliaria y los despidos ocurridos en 1991. El Museo Reina Sofía ha inaugurado la primera gran exposición que se dedica a Tetsuya Ishida fuera de Japón. La muestra, bajo el título Tetsuya Ishida. Autorretrato de otro, puede verse en el Palacio de Velázquez hasta el 8 de septiembre de 2019.

La exposición reúne 70 pinturas y dibujos en los que Ishida muestra la desolación generalizada de la sociedad japonesa pero que guarda cierto paralelismo con la crisis que desde 2008 ocurre a escala mundial. Sus obras hacen la función de testimonio de la alienación del sujeto contemporáneo a través del imaginario repleto de personajes híbridos y máquinas antropomorfas que habla de la soledad, la incomunicación y la crisis de identidad en un mundo que está al servicio de la producción y el consumo. A través de la imaginería del escolar u oficinista realiza una crítica de los sistemas educativos y laborales que se han regido por la necesidad imperiosa de producir y competir.

En su trabajo, Ishida analiza cómo el cuerpo humano se ha fusionado con dispositivos tecnológicos; cómo el cuerpo se encuentra en situaciones claustrofóbicas en las que el cuerpo se halla atrapado en agujeros y construcciones o forma parte de una cadena de montaje; o cómo exista la búsqueda de la identidad ligada a la necesidad primaria del retorno a la niñez… Todo ello actúa como telón de fondo para mostrar la apatía de una sociedad que ha sucumbido a la maquinaria de la producción y del consumo.

(Tetsuya Ishida. Autorretrato de otro en Museo Reina Sofía, Madrid. Desde el 12 de abril hasta el 8 de septiembre de 2019)

 

 

 

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