EXPOSICIONES

La luz negra

La luz negra

El CCCB ha inaugurado la exposición La luz negra, que podrá verse hasta el 21 de octubre y que trata sobre la influencia que las tradiciones secretas han ejercido en el arte contemporáneo desde los cincuenta hasta nuestros días. La muestra, comisariada por Enrique Juncosa, acoge 350 obras de artistas como Antoni Tàpies, Agnes Martin, Henri Michaux, Joseph Beuys, Ulla von Brandenburg, William S. Burroughs, Joan Jonas, Jordan Belson, Goshka Macuga, Kenneth Anger, Rudolf Steiner, Alejandro Jodorowsky, Francesco Clemente y Zush, entre muchos otros. Estas obras están ordenadas de una manera cronológica y van desde pinturas, dibujos, libros y grabados hasta piezas audiovisuales, esculturas, fotografías, instalaciones o documentos de artistas, sobre todo de Norteamérica. En La Luz Negra se ha contrapuesto la obra de creadores fundamentales en la historia del arte con la de figuras menos conocidas del underground y de artistas jóvenes que tienen un interés por estas tradiciones. Los trabajos de los artistas seleccionados demuestra la relevancia de las corrientes habitualmente ignorados y, en ocasiones, se entiende el arte como un instrumento de conexión con la realidad más profunda o como una forma de conocimiento en sí mismo.

Además, la exposición se acerca también a la influencia de ideas esotéricas en ámbitos de la cultura popular (como el cómic, el jazz, el cine y el rock alternativo). El esoterismo se remonta a los orígenes de la civilización y ha servido para estructurar todo tipo de ideas, desde filosóficas o lingüisticas hasta científicas o espirituales. A pesar de ello, han sido tradicionalmente olvidadas o menospreciadas en nuestra época. No obstante, muchos artistas se han interesado por estos asuntos (alquimia, las sociedades secretas, la teosofía, la antroposofía, la magia, la psicodelia, ingestas de drogas, mitos…) renovando así el interés por estas cuestiones. Según el comisario, Enrique Juncosa, “tal vez este interés se deba a que volvemos a vivir en un mundo inquieto e insatisfecho”. Además de la exposición, se han organizado distintas actividades en torno a ella, como un ciclo de conferencias que tendrá lugar hasta el 28 de mayo.

(La luz negra en el CCCB, Barcelona. Desde el 16 de mayo hasta el 21 de octubre de 2018)

 

 

 

 

La luz negra

El CCCB ha inaugurado la exposición La luz negra, que podrá verse hasta el 21 de octubre y que trata sobre la influencia que las tradiciones secretas han ejercido en el arte contemporáneo desde los cincuenta hasta nuestros días. La muestra…

Qu’est-ce qui est different?

Qu’est-ce qui est different?

El Carré d’Art de Nimes ha inaugurado una exposición dedicada a Wolfgang Tillmans que podrá verse hasta el 16 de septiembre, bajo el título Qu’est-ce qui est different? Tillmans ha estado trabajando desde los 90 en imágenes que recuerdan a géneros como las naturalezas muertas, paisajes, retratos y abstracción. Sus imágenes revelan momentos de belleza o deseo, pero también de una dimensión social y política. Sus exposiciones hacen que el espectador viva una experiencia del mundo a través de la mirada crítica y sensible del artista. En dicho espacio físico se pone continuamente en juego al cuerpo del espectador. Por tanto, esta exposición revela distintas formas de establecer una relación entre el mundo visual y físico. Esta concepción está relacionada con la publicación de un libro en el que se pregunta sobre la noción del Efecto Backfire y sobre su trivialización que no carece de consecuencias en nuestra relación con la verdad y con la construcción de nuestra identidad y convicciones políticas.

Además, en el trabajo de Tillmans es importante la realización de retratos ya que revela tanto la fragilidad como la fuerza de los individuos a través de sus acciones, sus estilos de vestir o sus actitudes. El cuestionamiento de la representación del cuerpo es uno de los temas centrales en su trabajo y el cómo los medios o los códigos sociales nos obligan a conformarnos con imágenes estandarizadas. En su producción también está la cuestión del cuerpo de la fotografía, la hoja de papel donde aparece la imagen siendo necesaria para su apariencia. La iniciada en 2001 revela que todas las imágenes aparecen en la superficie plana del papel, pero también tienen objetos. Hay una gran hoja de papel doblada sobre sí misma que toma la forma de una gota. Tillmans está considerado como uno de los artistas más importantes de su generación y ha expuesto en instituciones como Stedelijk Museum, Amsterdam (2008); Hamburger Bahnhof, Berlín (2008); Kunsthalle, Zurich (2009); Moderna Museet, Estocolmo (2009); Museo de Arte de Filadelfia (2014); Centro Pompidou, Metz (2014); Museo Nacional de Arte Moderno, Osaka (2015); Museo Metropolitano de Arte, Nueva York (2015); Fundação de Serralves, Porto (2016); o Tate Modern, Londres (2017).

(Qu’est-ce qui est different? en Carré d’Art de Nimes. Desde el 4 de mayo hasta el 16 de septiembre de 2018)

 

 

 

 

Qu’est-ce qui est different?

El Carré d’Art de Nimes ha inaugurado una exposición dedicada a Wolfgang Tillmans que podrá verse hasta el 16 de septiembre, bajo el título Qu’est-ce qui est different? Tillmans ha estado trabajando desde los 90 en imágenes que recuerdan a géneros…

Nairy Baghramian: estructuras orgánicas

El trabajo de la artista iraní Nairy Baghramian (Isfahán, 1971) podrá verse por primera vez en España gracias al proyecto específico que la artista ha desarrollado para el Palacio de Cristal del Museo Reina Sofía. La instalación lleva por título Breathing Spell

Nairy Baghramian: estructuras orgánicas

Nairy Baghramian: estructuras orgánicas

El trabajo de la artista iraní Nairy Baghramian (Isfahán, 1971) podrá verse por primera vez en España gracias al proyecto específico que la artista ha desarrollado para el Palacio de Cristal del Museo Reina Sofía. La instalación lleva por título Breathing Spell (Un respiro) y se trata de un proyecto específico en el que a través de esculturas e instalaciones, retoma formas y conceptos heredados para debatir cuestiones sobre la funcionalidad, la decoración la abstracción o el feminismo. Con claras referencias a la Historia del Arte y a la arquitectura moderna, concretamente al minimalismo y surrealismo, Nairy Baghramian revisita ese pasado, y parte de él, para cuestionar las diferencias entre función y ornamento, industria y artesanía o trabajo seriado y artístico.

Sus esculturas, realizadas con acero, resinas, siliconas o cuero generan formas orgánicas con protuberancias y cavidades que remiten a la fisiología humana y a la subjetividad, pero también al diseño de interiores y a los objetos decorativos. La obra de Baghramian, siempre frágil y poética, hace referencia a aquellos elementos que habitualmente quedan ocultos y camuflados en la arquitectura; objetos utilitarios sin los cuales la funcionalidad y la vida de todo edificio en uso quedarían en entredicho. Los fragmentos de tuberías, conductos, mangueras anti-incendios o condensadores toman aquí el protagonismo. Esos dispositivos a los que alude son los que tradicionalmente permanecen ocultos bajo la pared o el panel de una estructura.

La forma de presentarlos, ajenos a sus circuitos y aislados de su flujo (de energía, de aire, de agua), los convierte en una especie de prótesis aparentemente disfuncionales ya que están desconectados de un cuerpo que les dé sentido. De esta manera, quedan reducidos a objetos descontextualizados cuya aparición resulta siniestra y que por sí solos carecen de sentido, pero que aportan una coherencia a la estructura completa. Si el minimalismo partía de la premisa de “lo que ves es lo que ves”, se puede afirmar que Baghramian plantea que “lo que habitualmente no ves es lo que ahora ves”, una máxima que podría aplicarse, por ejemplo, al edificio firmado por Renzo Piano y Richard Rogers para el Centre Pompidou en París. Así, esta instalación escultórica de Baghramian transita en el límite entre la parte interna del edificio y la superficie exterior, su epidermis; entre la fachada y la interioridad de los muros que ocultan el organismo que no ha de ser mostrado.

(Breathing Spell de Nairy Baghramian en el Museo Reina Sofía. Hasta el 14 de octubre)

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