Pabellón de España.

España gana el León de Oro

Parecen que las crisis siempre tienen su lado positivo, esta vez materializado en un premio tan prestigioso como el León de Oro de la Bienal de Arquitectura de Venecia, que ha premiado el pabellón de España comisariado por Iñaqui Carnicero y Carlos Quintáns. Con el título Unfinished, Inacabado, España llega a esta 15ª edición…

 

Fotografía en España años 50 y 60

Fotografía en España años 50 y 60

El Museo Reina Sofía aprovecha la celebración de PHotoEspaña para revisar la fotografía en España en las décadas de los 50 y los 60. Unos años que se recuperan más como documentación que como creación puramente artística. Comisariada por el equipo del Reina Sofía con la colaboración de Laura Terre se reúnen 70 fotografías y abundante material documental que ilustra la transformación estética y conceptual de la fotografía de una época oscura y que hoy permanece en la sombra de los nombres y logros posteriores. Las influencias del documentalismo neorrealista y del reportaje humanista son esenciales en la fotografía de estos años, movimientos que se desarrollaban en otros países pero que servían perfectamente para trasladar a imágenes una situación social perentoria tanto política como social que se vivía en España. Protagonista esencial de este movimiento fue la revista AFAL, especializada en cine y fotografía que se publicó entre 1956 y 1963, y que sobrevivía milagrosamente gracias a las pocas suscripciones, una mínima publicidad y sobre todo a las aportaciones constantes de sus fundadores José María Artero García (Almería, 1928-1991) y Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930). La historia de la fotografía demuestra, tanto en España como en otros muchos países, la importancia de las publicaciones periódicas para aglutinar nombres y esfuerzos, y nos muestra también el poco o nulo apoyo que estas publicaciones reciben más allá de sus impulsores. El Caso es que AFAL se ha convertido en un nombre ya mítico en la fotografía y que ha sido el eje de toda una época fotográfica.

Los años 50 y 60 estaban marcados por la huella de una dura posguerra con la habitual miseria y represión en un país vencido y humillado, sin recursos y aislado del exterior a nivel cultural e informativo. La conexión con el desarrollo y las corrientes exteriores se realizaba a partir de viajes individuales y de las producciones bibliográficas que podían llegar, de una forma u otra, hasta nosotros. La creación fotográfica también se había visto muy maltratada con una guerra civil y su interminable posguerra, con lo que más que hablar de desarrollo había que plantearse la reconstrucción de una escena arrasada. Los núcleos más activos de la fotografía estaban en Barcelona, Madrid y Almería. Las Agrupaciones Fotográficas, con sus publicaciones, normalmente Anuarios, y sus exposiciones y algunos grupos como La Palangana, dieron la respuesta informativa al interés internacional, potenciando a algunos de estos artistas a niveles internacionales, abriendo una visión a la fotografía española que apenas iniciaba una andadura que todavía hoy en día sigue siendo muy singular.

La exposición reúne una serie de imágenes significativas, pero no se hace eco del espíritu combativo de la época, cuando los artistas usaban sus fotografías como grandes murales, los tiempos sin duda han cambiado y hay entre los nombres expuestos un buen puñado de Premios Nacionales de Fotografía (Cualladó, Masats, el propio Perez Siquier, Ontañon, Schommer….), recuperaciones históricas que son más agradecimientos que auténticas revisiones de una obra singular y de una gran calidad fotográfica. Porque más allá de un momento histórico y de la gran labor de AFAL, de sus fundadores y de este puñado de hombres que levantaron la fotografía española contra viento y marea, existen unas imágenes, una obra que vale por si sola una gran exposición en cualquier museo. Son imágenes de delicadeza exquisita, en el espíritu de una época que usaba la imagen fotográfica no sólo como herramienta de lucha social sino como una forma de lirismo que empezaba a ser literariamente anacrónica. La donación de Carlos Pérez Siquier coloca en el museo, por una vía directa, una serie de trabajos que de otra forma hubiera tenido un camino mucho más largo, difícil y de final incierto. Sobre todo, ahora que tenemos la posibilidad de contemplar estas imágenes, de revisar esta época, no veamos solamente documento donde, también, hay arte.

Los artistas que en esta exposición muestran sus trabajos son Jose María Artero, Leonardo Cantero, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Francisco Gomez, Gonzalo Juanes, Ramon Masats, Orios Maspons, Xavier Miserach, Francisco Ontañon, Carlos Pérez Siquier, Alberto Schommer, Ricard Terre y Julio Ubiña.

(Humanismo y subjetividad en la fotografía española de los años 50 y 60. El caso Afal. MNCARS desde el 30 de mayo hasta el 7 de noviembre de 2016. Madrid)

Fotografía en España años 50 y 60

El Museo Reina Sofía aprovecha la celebración de PHotoEspaña para revisar la fotografía en España en las décadas de los 50 y los 60. Unos años que se recuperan más como documentación que como creación puramente artística…

 

Al borde del mundo: vacío

¿Cuál es nuestra relación con los objetos y sus diversos significados? ¿Qué es eso y por qué está ahí? ¿Debemos replantear la naturaleza y el espíritu de las cosas aparentemente inanimadas? Tal vez sean algunas de las cuestiones que quedan abiertas en…

Al borde del mundo: vacío

Al borde del mundo: vacío

¿Cuál es nuestra relación con los objetos y sus diversos significados? ¿Qué es eso y por qué está ahí? ¿Debemos replantear la naturaleza y el espíritu de las cosas aparentemente inanimadas? Tal vez sean algunas de las cuestiones que quedan abiertas en la exposición Arqueología: Biología, de Anish Kapoor, una de las más esperadas del año, que se presenta a partir del 28 de mayo en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) de la ciudad de México. El artista de origen indio, residente en Gran Bretaña, es uno de los referentes más importantes en el arte actual. Sin un ánimo retrospectivo podremos recorrer su obra a través de sus 22 monumentales esculturas e instalaciones, donde se pueden perder de vista las proporciones, la distancia y la realidad, creando un ambiente de angustia, miedo, diálogo y juego entre la muestra y los espectadores. Prácticamente no hay información dentro de las salas, permitiendo que las piezas hablen por sí mismas, invitando a que las toques y sientas. Un deseo reprimido que puede convertirse en pulsión de vida u oscuridad infranqueable dentro de nosotros.

Vacío, 1989

Vacío, 1989

La muestra, curada por Catherine Lampert, está dividida en cuatro núcleos que remarcan lo vital de la experiencia del público, como una especie de médium en varios niveles. Desde un principio la obra da una perspectiva de lo no-permanente y el no-objeto u objetos vacíos, donde la obra de arte pierde un grado de autonomía, algo que queda fuera del artista, donde las piezas ya no dependen del creador. La destrucción y la descomposición en una era vertiginosa, post industrial, es otro eje importante que permite la contemplación de formas burdas, agresivas, incluso escatológicas, como en la distribución de las piezas de Ga Gu Ma. Posteriormente invade una sensación de nimiedad y vacuidad debajo de algo monumental que flota sobre nosotros, a punto de aplastarnos, planteando una conversación entre el espacio y el tiempo, un tiempo narrativo y cinemático, relacionando la forma, el color y su tendencia a provocar ensueños. La segmentación de la exposición, complejiza el espacio que contiene un objeto y cómo se separa de su naturaleza de objeto. El espectador podrá observar “la punta de un iceberg”, en palabras de Anish Kpoor, es decir, que el arte ocupa más espacio que el espacio físico del objeto. Finalmente se busca por medio de la curaduría darle nuevamente una vida poética al objeto, como internarse en cavidades de apariencia cárnica y enigmática, que pueden hacerse pasar por vísceras o heridas a flor de piel o un deseo de retornar al útero para reinterpretar el mundo, logrando una incomodidad hasta cierto punto erótica o estética. En resumen, abrir el significado y cuestionar lo que se sabe del objeto.

My Red Homeland, 2003

My Red Homeland, 2003

Más allá de la ola de selfies, que seguramente provocará la muestra, los espectaculares en las principales avenidas, la excesiva publicidad en los medios de transporte públicos o los comerciales invasivos en youtube, las piezas superan la banalidad y el marketing, para entrar en terrenos altamente introspectivos y existenciales: el significado y la ausencia de forma; las implicaciones del acto creativo, la materialidad y los horizontes de la realidad; el miedo, la incertidumbre que nos habita y la vulnerabilidad del ser humano ante un escenario apocalíptico. Asimismo, la producción de Kapoor presenta lo imposible como verdadero. Una muestra de ello es El espejo de sangre IV que, debido a su magnitud y color intenso, puede perturbar o abismar, aunque lo que vemos es nuestro reflejo que confunde y alimenta el narcisismo, vaciándonos e integrándonos a la obra.

La exposición es única y sin precedentes en Latinoamérica, producida por el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y el Patronato de Arte Contemporáneo A.C. Este acontecimiento es imperdible por aspectos tanto técnicos, por las implicaciones de traer este tipo de piezas, como estéticos e innovadores en México, tal es el caso de una App móvil diseñada para que la exposición pueda ser apreciada en cualquier parte del mundo y los visitantes tengan más información del autor. A la par, se llevarán a cabo conversatorios, recorridos especiales, cursos y ciclos de cine, que ampliarán los alcances de la muestra.

(Arqueología: Biología, Anish Kapoor, MUAC. Ciudad de México. Desde el 28 de mayo hasta el 27 de noviembre de 2016)

 

 

 

 

 

 

 

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